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Tradition and modernity
of ink-and-wash painting
Gu Mokyoung ink-and-wash painting works and their meanings

KIM Sangchul | Curator
Ink-and-wash painting truly represents the tradition of oriental painting. Long matured and style and form of ink-and-wash painting is highly unique that it cannot be delineated merely in the dimension of materials used for ink-and-wash paintings. Instead, such traits could be perceived as an extraordinary form of expression that is a combination of Oriental traditional ideologies and speculative introspections that are obtained from extreme contemplation of the nature. In fact, the history of ink-andwash painting is a very long one. Hence, the accumulation of related theories and outcomes of practice is enormous in its size. What to notice here is that the development process of ink-and-wash painting has been realized through turbulent and dynamic phases. The expansion of thoughts owing to the introduction of Buddhism had brought groundbreaking change to the overall culture of Asia. Especially, men’s mature consideration regarding form and essence had even developed to the stage where people began to assign certain ideas and thoughts to ink-and-wash painting. Assigning meaning to materials and developing special ideas are the exclusive and unique characteristics of ink-and-wash painting.
Although ink-and-wash painting has placed itself as a mainstream art in Asian painting with its long history of development and evolution, today’s stature of ink-andwash painting is not same as that of the past. It is more suitable to say that today’s ink-and-wash painting has faced recession. The obvious reason for such depression can be found from the fall of traditional values due to the expansion of Western values since the modernization. However, the most critical reason is the loss of dynamic changes since the modernization that had once appeared in the past developments of ink-and-wash painting. When art is a medium to record an era by breathing with the time it belongs to, ink-and-wash painting should reflect on itself
for its past dependency with its inflexibility.
Artist Gu’s works form their base in ink-and-wash painting. Nowadays, varieties of different individualities are expressed unlimitedly. In such times, the use of heterogeneous materials has become generalized and the mix of ink and colours is also not something new in the field of ink-and-wash painting. In the time of convergence, artists who only paint with black and white ink as main instrument are even perceived as rare and fresh. Gu, from the beginning of her artist career to the present, has only been using ink for her ink-and-wash paintings. Her
focus in ink and ink-and-wash painting can be simplified and considered as inertia of tradition, but the visual contents and elements and the changes that appear in the development history of her works exhibit alignment of her volition and innate sensitivity with the characteristics of ink-and-wash painting.
Gu’s initial works were ink-and-wash painting that embodied modifications of scenery landscape. Her initial works had been the fruits of her endeavors to endow her works with a liaison role that connects traditions with present day by using ink-and-wash painting as a medium. In the aspect of idea and its expression, those works had been the learning period and the earnest preparatory period to approach ink-and-wash painting in a serious and sincere manner. The style of Gu’s subsequent works has gone through some alterations to encompass more refined expressions of ink-and-wash painting. Especially, she has individualized her works and magnified the formative traits of ink-and-wash painting by delving deeply into a specific topic, the birch tree. Structured simply in black and white, the screen of Gu’s works accommodates the particular topic which is the birch. Furthermore, beyond the structure of the paintings, one may encounter Gu’s efforts and will to reach the emotional boundary, namely to fully satisfy aesthetic conditions of ink-and-wash painting.

Ink-and-wash painting is a world of intellections that contemplates the essentials beyond images perceived visually. Such world of intellection can only be acquired by abandoning images and forms. Gu’s works including the birch trees seem to be developing to incorporate pure aesthetics of ink-and-wash painting. such tendency is somewhat similar to 得意亡筌 (a
Chinese four character idiom meaning that one has realized his/her goal and reached the stage of forgetting the means to acquire the goal). Now, the birch, not being the purpose itself, has become a medium and tool that leads Gu to the subtle world of ink-and-wash painting. In her paintings, shapes and forms are disintegrated and they drift around the surface and her skills and techniques are now free and feisty. The combination of different ink-and-wash images that reflect the touch and waves of breath of Gu is now advancing to the stage of abstraction. The paintings of Gu which stress ink based expression and neglect the elements of brush from the expression elements of ink-and-wash painting, are the evidence that Gu has partly escaped from the pressure to articulate images and forms.
The artist’s interests in materials and expression have been extended to the unique use of Hanji (Korean traditional paper). The hanji used works best exemplifies the attributes of ink: permeation and spreading. Therefore, hanji plays the role of strengthening the background of the paintings while intensifying profound, subtle and abstract expression of ink-and-wash painting. Such use of hanji is an inevitable choice to be made in order to highlight distinctive traits of ink-and-wash painting beyond mere material experiment. In addition, it can also be explained as a result of her will of subjective translation of ink-and wash painting along with a conciliatory decision that she had made between the conflicting values of tradition and modernity.
As mentioned above, ink-and-wash painting is the essence of tradition of Oriental painting. However, today’s reputation of ink-and-wash painting is poor compared to its glorious past. Remembering that the trend of modern civilization is to deviate from monopolistic and vertical universal structure and enter the era of diversity where regional distinct characteristics are emphasized, the current status of ink-and-wash painting is quite miserable. In such depressing situation, the existence of an artist who has been solely working on ink-and-wash painting is pleasantly welcoming. Plus, the artist’s efforts to closely reach the spirit of ink-and-wash painting through self-introspection in contrast to the lifeless reproduction of forms through transcendentalism shall be highly credited. As generally known, ink-and-wash painting does not accept completion since it is reflections of painter’s contemplation and meditation about the human, the nature or the universe. Paintings will always be transforming and new meanings and intellections will appear in new aspects.
The very first ink-and-wash painting Gu chose to paint was an existing piece painted by an established artist. Hence, the purpose of the initial work had been to reinterpret the piece based on her own ideas and thoughts and then to individualize and regenerate the painting through formative expressions. Since ink-and-wash painting has been forming its traditional fundamentals of Oriental painting through revolutionary transformations, the artist also needs to secure new phases in her art career by criticizing her own work realistically and rationally. Such self-examination will present a solution to the conflicting values of tradition and modernity in a wholly new cultural situation.

수묵의 전통성과 현대성
구모경의 수묵 작업과 그 의미

김상철 | 미술평론


수묵은 동양회화의 전통을 관류하고 있는 전통의 실체이다. 대단히 오랜 기간 배태되고 성숙된 수묵의 사장과 조형은 단순한 재료적 차원의 구분으로는 그 특성과 가치를 수렴해 낼 수 없는 독특한 것이다. 이는 삼라만상에 대한 지극한 관조를 통해 얻어진 사변적 성찰의 내용들과 동양 전래의 사상들이 결합하여 이루어진 특수한 표현 양식이라 함이 옳을 것이다. 사실 수묵의 역사는 대단히 오랜 것이다. 더불어 이러한 오랜 기간을 통해 축적된 창작 실천의 결과물과 이론의 집적 역시 매우 방대하다. 주목할 것은 이러한 수묵의 변화와 발전 과정이 격변의 혁명적 상황을 통해 이루어졌다는 점일 것이다. 불교의 전래에 따른 사고의 확장은 동양문명 전반에 획기적인 변화를 몰고 왔다. 특히 현상과 본질이라는 가치에 대한 인간들의 숙려는 급기야 수묵 자체에 일정한 사상성을 부여하는 것으로까지 발전하였다. 재료 자체에 대한 의미의 부여와, 이를 통해 특정한 사유를 개진하는 것은 아마 수묵이 유일할 것이다.
비록 수묵이 대단히 오랜 발전 과정을 거쳐 동양 회화의 주류로 자리 잡고 있다 할지라도, 오늘날 수묵이 지니는 위상이 반드시 이전의 그것과 부합하는 것은 아니다. 오히려 오늘날 수묵이 처한 현실적 상황은 침체와 부진의 나락이라 표현함이 보다 적확할지도 모른다. 이는 근대 이후 서구 중심적 가치의 횡횡으로 전통적인 가치의 몰락에서 그 이유를 찾을 수 있겠지만, 무엇보다 수묵의 발전 과정에서 나타났던 혁명적 변화가 근대 이후 상실되었다는 점을 꼽아야 할 것이다. 예술은 그것이 속한 시대와 더불어 호흡하며 그 시대를 기록하는 것이라 할 때, 수묵은 전통의 고답적인 경직된 인식으로 스스로를 지난 시대에 머물게 했던 것은 아닌지 반성해 볼 필요가 있을 것이다.
작가 구모경의 작업은 수묵을 기반으로 하고 있다. 다양한 개성이 무제한적으로 발산되고 있는 오늘의 현실에서 이질적인 재료의 사용은 이미 보편화 되었을 뿐 아니라 수묵과 채색의 병용 역시 새로운 것이 아니다. 이러한 세태에서 오로지 수묵만을 지지체로 삼아 본격적인 작업을 하는 작가는 오히려 희귀하고 신선하게까지 여겨지는 것이 사실이다. 작가는 이미 화업의 시작 단계부터 오늘에 이르기까지 오로지 수묵으로 일관하고 있다. 그의 이러한 지향을 전통에서 비롯된 관성의 일단으로 치부할 수도 있겠으나, 그가 보여주고 있는 조형의 내용과 요소, 그리고 그 변화과정 등을 면밀히 살펴보면 그의 의지와 태생적 감성이 수묵과 일정 부분 잘 부합되고 있음을 확인할 수 있다.
작가의 초기 작업은 실경을 변용한 수묵 작업이었다. 그것은 자연, 혹은 자신이 속한 공간에 대한 관심을 수묵이라는 전통적 재료를 통해 표현함으로써 전통과 현대의 일정한 연계를 도모함이 여실히 드러나는 것이었다. 발상과 표현이라는 측면에서 본다면 이는 그의 학습기이
자 수묵에 대한 본격적인 접근의 준비기라 할 것이다. 이후 그의 작업은 일변하여 보다 정제된 수묵 표현으로 표출되었다. 특히 자작나무라는 특정한 소재에 천착함으로써 그는 자신의 작업을 개별화함과 동시에 수묵이 지니고 있는 조형적 특성을 극대화 시켰다. 흑과 백의 단순한 얼개로 이루어진 그의 화면은 자작나무라는 특정한 소재를 수용하지만 이미 수묵 특유의 심미적 조건, 즉 정신적인 경계에 육박하고자 하는 의지를 여실히 드러내고 있다.

수묵은 현상 너머에 자리하는 본질을 관조하는 관념의 세계이다. 그것은 형상을 버림으로써 얻어지는 사변의 세계이다. 작가의 작업은 자작나무에서 비롯하여 점차 순수한 수묵의 심미로 변화하는 추이를 보이고 있다. 그것은 마치 득의망전(得意亡筌)의 경우와 같은 것이다. 이제 작가에게 자작나무는 그를 수묵의 유현한 세계로 인도하는 도구이자 수단이며, 그 자체가 목적이 아닌 것이 되었다. 형상은 해체되어 공간을 부유하고, 수묵은 더욱 자유로워져 거침이 없다. 작가의 손길과 호흡을 반영하는 수묵의 조합은 이미 일정한 추상의 단계로 접어들고 있다. 전통적인 수묵의 표현 요소 중 필의 요소는 제거되고 묵을 기반으로 한 면의 표현이 강조되고 있는 작가의 화면은 이미 형상의 부담감에서 일정 부분 벗어난 것이 여실히 느껴진다.
재료와 표현에 대한 작가의 관심은 한지를 이용한 독특한 구조로 이어지고 있다. 스미고 번지는 수묵 특유의 물성을 십분 발휘한 한지 작업은 화면의 바탕을 견고히 하는 역할을 하는 동시에 수묵 특유의 그윽하고 은근하며 함축적인 표현을 더욱 심화시켜주고 있다. 그것은 단순한 재료실험이라는 제한적 의미를 넘어 자신이 지향하는 수묵 고유의 독특한 심미를 강조하기 위한 필연적 선택이라 여겨진다. 더불어 이는 전통과 현대라는 상충되는 가치의 민감한 접점에서 작가가 취한 절충적 선택이자 수묵에 대한 주관적 해석 의지가 반영된 결과라 해설할 수 있을 것이다.
앞서 거론한 바와 같이 수묵은 동양회화 전통의 실체이자 본령을 이루고 있다. 그러나 오늘날 수묵의 위상은 이전과는 비교할 수 없이 초라한 것이다. 디지털로 대변되는 현대문명의 상황은 독점적이고 수직적인 보편성의 구조에서 탈피하여 지역적 특수성과 차별성을 중시하는 다양성의 시대로 접어들고 있음을 상기한다면, 오늘날 수묵이 처한 현실은 안타까운 것이 아
닐 수 없다. 이러한 상황에서 수묵으로 일관하며 오늘에 이르게 된 작가의 존재는 반가운 것이다. 더불어 그가 추구하는 수묵 작업이 형식재현의 생명력 없는 고답주위가 아니라 자신의 사유를 통한 수묵 정신에 접근하고자 함은 평가되어야 할 것이다. 주지하듯이 수묵은 완결이나 완성을 용납하지 않는다. 그것은 인간과 자연, 혹은 우주에 대한 부단한 사색의 결과를 드러내는 것이기에 언제나 변화하며 새로운 양태로 드러나게 될 것이다. 작가가 처음 선택한 수묵은 이미 타인에 의해 이루어진 기성의 수묵이었다. 이를 자신의 사유를 전제로 한 주관적 해석을 통해 개별화하여 조형적으로 표출해 낼 것인가 하는 점이 바로 그가 천착하고 있는 작업의 요체일 것이다. 수묵이 혁명적 변혁을 통해 그 유장한 생명력을 이어가며 동양회화 전통의 근간을 이룬 것이라면, 작가 역시 자신의 작업에 대한 냉철한 이성적 비판을 통해 새로운 국면을 확보해야 할 것이다. 이는 작가가 주목하고 있는 새로운 문화 상황에서 전통과 현
대라는 상충된 가치에 대한 작가의 답변이 될 것이다.

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